Un soplo de arte fresco

El pasado lunes y martes 8 y 9 de abril los artistas Santiago de Santiago y Zoltán Gábor, escultor y pintor respectivamente, acudieron a la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid para dar una rueda de prensa para los estudiantes de periodismo.

A las once de la mañana de los primeros días de la segunda semana de abril, dos grandes artistas hicieron acto de presencia en las aulas de la facultad. Los estudiantes de periodismo de tercero de grado, acudieron a una clase maestra de vivencias artísticas y experiencias sensoriales.

El lunes Santiago de Santiago, un hombre mayor de pelo cano y con un Torsón de Oro siempre al cuello, les explicó a los estudiantes sus orígenes autodidactas, sus percepciones a la hora de esculpir y que el arte es algo que va más allá de las limitaciones materiales.

El martes Zoltán Gábor, aclamado pintor de Budapest y conocido internacionalmente, les habló a los jóvenes periodistas su inicio en las artes, sus métodos de aprendizaje, los problemas de un éxito temprano y los principios de la fundación que dirige en Madrid “Apoyo el Arte”.

Ambos sirvieron de “conejillos de indias” en unas ruedas de prensa que iniciaban a los estudiantes en su preparación de periodistas. A pesar de la falta de conocimientos y documentación, las jornadas se sucedieron con mucha profesionalidad y gran cantidad de cuestiones interesantes.

Entrevista a Zoltán Gábor (pintor)

Entrevista a Zoltán Gábor

Zoltán Gábor Fodor-Lengyel nace en Budapest el 1 de marzo de 1963.

Se educó artísticamente en Budapest ( Universidad Eötvös Lóránd, Facultad de Letras ) y Paris (Universidad de la Sorbonne, Facultad de Bellas Artes ). A los 20 años firma un contrato exclusivo con la Galería Art 3000 y tres años después se convierte en el director artístico.

Ha inaugurado, desde el principio de los años ochenta hasta la actualidad, más de ciento setenta exposiciones individuales en Hungría, Austria, Alemania, Bélgica, Suiza, Reino Unido, Francia, Rusia, Estados Unidos y España.

Numerosas obras suyas se encuentran en colecciones internacionales, museos e instituciones. Entre ellas destacan diferentes series, como podrían ser: Cuentos de la Biblia, Mitología del siglo XX, Tragetomís, Beso a las Musas, Telarañas, Homenaje al Greco, Las Ninfas, Macrobodegones, Del amor y de la muerte, Mi renacimiento u Olé y Olé, entre otras. Ha publicado once libros, cerca de cien catálogos y otras publicaciones. Además de pintor, es retratista y poeta.

Sus creaciones aparecen en numerosas reproducciones de obra gráfica, en cerámica, portadas de libros (como “Obsesión, Obsesión” de Raúl Calvo) y otras ediciones. Su presencia en los medios de comunicación ha sido constante. Ha protagonizado más de 400 reportajes.

Actualmente, reside y trabaja en Madrid, donde dirige la Fundación Apoyo el Arte.

¿Cuál es el primer paso que se da cuando tienes una obra?

Nunca pinto un cuadro solitario, normalmente pinto series. Antes de empezar necesito meses de trabajo intelectual que recoge las ideas del por qué quiero pintar la serie. Cuando ya lo sé entonces tengo que buscar la manera de pintar, estilo, relieve, gráfica, óleo, acrílico…

¿Qué es lo más difícil a la hora de pintar?

Lo más difícil es sin duda el proyecto, la preparación.

En al arte no hay fronteras es individual. Un ruso tiene un mensaje distinto porque sus vivencias en su pueblo han sido distintas que aunque su educación y forma de expresarse sean distintas, el mensaje va a ser igual.

¿Por qué tanto apego a la cultura popular?

Vivir 30 años en España hace que tengas que hacer un homenaje a España, hace veinticinco años cuando quería hacer un primer homenaje no quería tratarlo a través de una manera tan trivial como los toros o el flamenco, pero con el paso de los años, también reflejé este tema. La cultura más importante e internacional española la plasmé en la serie “Olé y Olé”.

Su visión del arte moderno en España.

El arte contemporáneo después del pop art ha quedado muy individualista, en las últimas décadas se ha comenzado con el arte conceptual y/o el videoarte aún más alejado del “puro” arte. Se equivocaron muchos directores de museos con estas tendencias porque el público necesita un arte que no sea una bañera llena de sangre o una instalación en una esquina. Por y para el público los artistas van siendo más realistas, tendiendo al arte de verdad sobre un lienzo, donde haya algo detrás, no donde solamente un chiste o una tomadura de pelo.

Háblenos de su fundación “Apoyo el arte”.

Ayuda a artistas jóvenes que no han tenido la suerte de que con veinte años en París puedan comprar su obra o no tiene los medios. Les ayudamos no dándoles dinero si no que puedan participar en un proyecto de la fundación.

¿Es fácil de entender el arte para el público?

Hay gente que dice “no entiendo el arte”, ¿quién lo entiende? Vosotros, el público cuando dice “este me gusta” esto es entender el arte.

¿En qué estilo encajonaría su arte?

No me gusta que me encajonen, los críticos me consideran un artista del “expresionismo lírico” aunque yo siempre digo que mi pintura es arte figurativo. Mis temas son el ser humano y sus movimientos, sus relaciones, la felicidad que puede llegar a sentir, la tristeza, el amor, el desamor, la vida, la muerte e incluso la respuesta que adoptamos a esto.

El arte da una pausa, un descanso de la vida, intento que mi arte sea una búsqueda del mundo bello.

¿El periodismo trata el arte como se merece o no?

Sí, puedes ver en periódicos nacionales afamados que tienen una sección de arte, pero el número de páginas que dedican es poco, lo mismo sucede en las cadenas de TV.

No lo suelen tratar de manera profunda. Estoy muy contento con respecto a cómo han tratado mis obras. No puedo quejarme sobre mi protagonismo en los “media”.

¿Cómo han influido las nuevas tecnologías en su obra?

Influye mucho Internet, es un portal que permite llegar a más personas que una galería. Es una salida importante para tener contacto con el mundo. Desde el año noventa tengo página web. Reconozco que es importante, es una salida que permite tener contacto con el mundo. Si hay que vender a través de una página web obras de arte… he vendido tan sólo dos. La gente quiere tocar, ver, morder una obra.

¿El arte debe ser comprometido?

No hay que dibujar la guerra de Bosnia. Puedo dar un mensaje más bello reflejado lo que se siente sobre este tema tan terrible y sigo siendo comprometido. Reflejo mi pensamiento a través de un lenguaje bello, un lenguaje distinto.

¿Cómo ve el mercado del arte?

El mundo del arte es muy sucio. La gente piensa que el arte es muy bonito, pero depende de muchas cosas… los negocios, cómo hacer promociones, cómo explotar a un pintor, etc. Sin publicidad no vendes nada, no sabrán que existes. “La Gioconda” es el cuadro más famoso del mundo, lo ha conseguido por pura conmoción. Se le hizo un gran “merchandising”. Eso se hace en el mercado del arte, a través de la subasta, es puro negocio, a algunos les interesa por temas políticos.

¿Cómo librarse de la mafia del arte?

El artista puede ser más o menos ético. En el mundo de las subastas la mafia va a tener lo que quieren .Yo voy por libre, hago mis promociones sin engañar a nadie aunque pueden haber galerías que te explotan.

Organización que existe antes de exponer una serie.

El artista normalmente tiene un representante o ninguno. El artista joven si no tiene la suerte de encontrar con una galería buena o galerista, está perdido.

En los años 80 conseguí hacer unas 80, 100 exposiciones en todo el mundo. Los galeristas te facilitan mucho el trabajo, te dicen “tú encárgate de pintar que nosotros vendemos tus obras”.

El éxito tan joven ¿afecta?

He tratado bien el tema, por suerte. La vida social de un artista es necesaria, tiene el público que verte, hacerte entrevistas, debes moverte por el mundo porque si no, no se vende.

¿Su obra es para todos los bolsillos?

(Ríe) Por supuesto, hay grabados, sedigrafía… para bolsillos pequeños y grandes.

Sus principales influencias.

Hice un homenaje al Greco, mi pintor favorito, pinté una obra con los ojos de la Reina Sofía. El Rey desde entonces me dice que yo pinté los ojos de su mujer.

¿Qué le queda por hacer?

Tengo ideas para hacer series durante unos 100 o 200 años. Mi forma de ser, sin embargo, no es igual que hace veinte años cuando quería comerme el mundo, ahora no voy tan deprisa. Como creador mi ritmo ha cambiado, voy seleccionando más cosas.

Entrevista a Santiago de Santiago (escultor)

Entrevista a Santiago de Santiago

Santiago de Santiago es un reconocido escultor español. Este onubense nacido en 1925 en un pueblo llamado Nabaescurial, comenzó en el mundo del arte como mero divertimento y de forma autodidacta. Después estudió escultura en Francia, Japón e Italia.

Su obra abarca un amplio abanico: desde joyas hasta grandes monumentos, pasando por estatuas pequeñas, bustos y trofeos. A lo largo de toda su trayectoria profesional ha realizado una gran cantidad de trabajos conmemorativos (como monumentos dedicados a Santiago Bernabeu, o el busto de Sara Montiel en el Museo de Cera de Madrid), estatuas diversas que decoran ciudades como es el caso de Marbella (con más de ocho estatuas repartidas por toda la ciudad), o los Jardins del princep en Girona. Cabe destacar el numero de personalidades inmortalizadas en sus bustos, tales como la Familia Real, o políticos, tanto nacionales como internacionales.

Sin embargo, la actividad artística de Santiago de Santiago no queda en la mera creación de esculturas, sino que también es Maestro. Imparte cursos de modelado en barro en su estudio, destinados a aquel interesado en este arte, tanto a nivel básico como profesional.

Durante casi sesenta años de profesión, Santiago de Santiago ha recibido multitud de reconocimientos y premios, de entre los que destacan la insignia de oro y brillantes S.E.K., la medalla de oro al mérito en el trabajo y Óscar de oro al prestigio y calidad artística.

De Santiago cuenta con reconocimiento fuera de nuestras fronteras, realizando exposiciones en Latinoamérica, Rusia, Japón, China y Estados Unidos. Participó en la tercera edición de Beijin International art biennale, en 2008 con motivo de los Juegos Olímpicos. Normalmente sus exposiciones son itinerantes, excepto en su pueblo natal, donde posee una exposición retrospectiva permanente.

¿A la hora de hacer las esculturas, en que se inspira?

Me inspiro en la vida, en mis semejantes, donde voy y vengo, las personas con quien hablo o no hablo y las veo reaccionar… y ahí si he considerado que ese hecho que he destacado puede ser interesante para divulgarlo y que la gente lo conozca y lo viva como yo lo veo, hago que la escultura represente lo que quiero transmitir. A veces lo consigo, llego o me paso, porque me dicen que esculturas simples hace reflexionar a los que las ven. Consigo que expresen un sentimiento amplio que la gente pueda pretender adivinar en función de lo que le sugiera. Consigo que la presencia de la escultura conmueva al espectador.

¿Cómo ha visto usted su evolución? Ya que la primera etapa de su arte era más humana y ahora es más conceptual.

En la primera época me hallaba en el alcance de quien empieza una forma de expresar los sentimientos. Después esa forma sencilla, amplia, se queda ingenua y se trata de eliminar de una forma muy concreta. En la primera etapa se buscan las iniciales sensaciones de un humano, con el paso del tiempo este evoluciona y se busca una forma más propia. Cuando se va consiguiendo experiencia se eliminan detalles para que el concepto sea más amplio. Conforme se va viviendo mas se eliminan objetos para que la generalidad sea más extensa y pueda abarcarlo todo de un modo más simple.

¿Cuál ha sido la sensación más difícil de plasmar en una obra?

La sensación o circunstancia en la que no haya conseguido vivir. Cuando veo una vivencia humana que no sabes si ríe o llora, yo tengo que meterme en la persona a la que le he visto esa esencia y saber cómo ha llegado a esa sensación y entender la vivencia de si ríe o llora. Una vez hice una obra que yo sentía: el tema de la naturaleza del hombre con la tierra. Tarde hasta tres años en conseguir encontrar a una persona con vivencias y un lugar con una naturaleza pura. Debía llevar allí a la persona para que sintiera lo que yo sin decírselo. Lleve a una mujer joven cerca del valle de los Caídos y lo primero que hizo la chica al salir del coche fue ir hacia la naturaleza y entregarse al aire como se entrega una mujer al amor, con los brazos abiertos. Ese es un ejemplo de un proceso de representación de una vivencia.

¿Considera adecuando el tratamiento que los medios de comunicación hacen de su arte?

Los medios los hay, jóvenes, menos jóvenes y mayores. Los primeros están en su primera etapa de conocimiento y no me conocen. Los menos jóvenes, si que conocen mi arte, y los mayores que estaban antes que yo me trataban en función de lo anterior. Pero ahora que ya tengo experiencia y soy mayor que muchos, veo que la mayoría no tienen la consideración amplia para decir lo que yo hago, porque no ha habido ocasiones de que hayan conocido mi obra. En general han escapado del dinamismo y sensibilidad de una persona madura, sin llegar a alcanzarla.

Como te han influenciado los artistas a lo largo de tu carrera

De aquellos que ya habían hecho su obra y les representaban en los museos bebí de todo su arte. Me metí a un taller a tratar los materiales y a hacer lo que ya existía. Una vez conseguí dominarlos, quise hacer cosas que no habían hecho antes o que yo no había visto.

¿De qué se siente más orgulloso?

De seguir y no parar, ir hacia adelante.

¿Cuál de sus obras considera más importante y mejor?

La que considero más importante esta en Tortosa donde hay un museo al aire libre con mis obras, y una de ellas, el monolito central, es la que considero más completa. Aunque hay otras más simples que considero más trascendentes por que expresan experiencias humanas y funcionan en razón de la vida. Porque los materiales tienen una limitación, pero la mente no lo tiene. Los que siguen siempre y van hacia delante, se encuentran cosas en su camino que les ayudan a encontrar algo nuevo.

¿Opina que el arte debe ser para el uso del público?

Sí, pero el arte que va surgiendo de las vivencias de la sociedad no lo es, sino que se hace para el placer de quien lo hace. Este que va hacia adelante no tiene que pretender hacer algo útil, porque ya lo será. Puede hacer cosas simples que vengan de su sensibilidad y que tendrán utilidad más adelante.

¿Pero ha de ser comprometido, social o políticamente hablando?

Hay arte que se hace con ese fin, pero realmente no es arte, es artesanía que se hace con el objetivo de ser útil. El arte no se hace al servicio nadie. La artesanía se considera un valor secundario porque la artesanía antigua que se encuentra, antes era útil y ahora son obras de arte: no se usan, sino que provocan sensibilidad hacia su forma de vivir. La artesanía se ha convertido en arte.

¿Cuál es el material más cómodo de utilizar o que llega mejor a la gente?

La piedra. Más cómodo no, pero llega más cerca de lo que quiero transmitir. Porque otros materiales como el bronce, la madera, ha sido modificado, en general por el hombre. En cambio la piedra es única y natural y quiero que la sensación sea lo más pura y bella posible, y eso me lo permite la piedra.

Al ser un artista autodidacta, que consejos le daría a las nuevas generaciones de estudiantes de Bellas Artes?

Yo pienso que el autodidacta no usa conceptos, sino que cuando quiere hacer una cosa y no tiene con qué hacerlo, el mismo busca las herramientas. Aunque ser autodidacta parezca ser un héroe, muchas veces se parte de la ignorancia y se pierde tiempo buscando algo que ya existe. Hay que pensar que cualquier cosa que se nos ocurra, aunque no lo conozcamos, seguramente ya se habrá hecho, consiguiéndose o no. ser autodidacta es un concepto que se ha extendido mucho, pero se pierde tiempo y energía en hacer cosas ya inventadas. Ser autodidacta, se hace, pero yo lo descartaría de la mente, porque yo perdí mucho tiempo hasta que conseguí alcanzar el conocimiento por mí mismo.

¿Considera que el arte estaba más valorado antes que ahora?

Considero que las artes tienen una valoración que se les da en función de lo que han sido o promovido, cuando algo con origen creativo se ha convertido en útil. Todos los objetos que se han hecho en las religiones para vanagloriar esa religión, una vez que está madura en la vivencia de los conceptos de los hombres pasa a ser objeto de adoración. En el caso del cristianismo, la cruz se convirtió en símbolo y se ha olvidado su utilidad que fue torturar a Cristo.

¿Con que movimiento de la historia se quedaría por su influencia o sensibilidad?

Según mi concepción pienso que la que más me conmovió fue la civilización griega, que buscaba la belleza en el aspecto más llano y limpio. Esta es la que más me ha gustado a mí, pues el románico era espiritual pero poco atractivo.

¿Qué es el arte para ti?

El flujo sanguíneo. Este es el que hace que yo pueda moverme y ejercer mi arte. Para mí el arte está en la fuerza individual de los movimientos anatómicos. El arte para mi es lo que vivo, y por lo que vivo, lo que ha conformado mi camino.